суббота, 21 декабря 2019 г.

Американские музеи. Часть 4

Америка - страна динамичная, постоянно стремящаяся к новому. Это проявляется не только в науке, технике, но и в искусстве. Музеи покупают произведения лучших современных художников, устраивают много выставок, посвященных последним направлениям в искусстве. Я не слыхал, чтобы посетители брюзжали: «Шарлатанство!» Американец уважает чужой труд. Он понимает, что в музеи попадают работы профессионалов, - значит, надо сначала разобраться в этом искусстве, а потом высказываться.



Бостонские музеи

В прошлом году, при первом посещении Бостона, я значительную часть  времени отвел ознакомлению с богатейшими экспозициями местных музеев. Конечно, нескольких дней было недостаточно, особенно для основательного осмотра огромного Музея изящных искусств. Поэтому сейчас я уже не возвращался к замечательным художественным коллекциям Гарварда. Немного полюбовался  сокровищами Галереи Изабеллы Гарднер и ее причудливым зданием, стилизованным под венецианского палаццо. В нем периодически устраиваются различные культурные мероприятия, и мне повезло: в «итальянском» дворике проходил камерный концерт замечательных певиц из разных стран.


                                      Тициан, "Похищение Европы"


                                  Тинторетто, "Женщина в черном"                                    


В Музей изящных искусств (
Museum of Fine Arts - MFA) я поспешил не только для того, чтобы еще раз посетить те его разделы, которым не уделил внимания при первом знакомстве. Осенью 2019 года здесь проходили интереснейшие выставки.

«Древняя Нубия сегодня» – редчайшая возможность получить представление о древней африканской цивилизации, возникшей 5 тысяч лет назад к югу от Египта. В экспозиции демонстрируются артефакты, найденные при археологических раскопках, финансировавшихся MFA и Гарвардским университетом.   

 



Как предполагают историки и лингвисты, название Нубия происходит от древнеегипетского слова nub – золото. Из этой страны привозили золото и слоновую кость. Но она не была «сырьевым придатком» Египта. Нубийские цари осмеливались воевать с фараонами, и им даже удавалось захватывать египетский трон. Понятно, что Нубия не могла не испытать мощнейшего влияния со стороны северного соседа. Многие элементы ее древней культуры заимствованы, но на выставке можно увидеть оригинальные творения нубийских ремесленников и художников. 

Значительную часть третьего этажа занимает выставка «Women Take the Floor». Насколько я понял, тут игра слов. Название выставки дословно можно перевести как «Женщины захватывают этаж». Но take floor – это идиома, поэтому смысл названия: «Женщины берут слово». И действительно выставка рассказывает на ярких примерах о борьбе женщин за самоутверждение в американской культуре.


 

Очень интересна выставка «Эксперимент середины века». В 1941 году кураторы MFA задались вопросом: как определить ценность современных произведений искусства и предсказать – забудут ли их достаточно скоро или они выдержат испытание временем? Бостонский музей начал формировать «временную коллекцию» известных современных американских художников, которая не входила в его основное собрание, чтобы через 50-60 лет выяснить, какие из представленных работ по-прежнему ценятся. Одновременно предстояло проанализировать, какую роль в повышении рейтинга художников играют галереи, выставки, упоминание в СМИ. О том, что получилось из этого эксперимента, можно узнать в музее или в Интернете: (https://artsfuse.org/184637/visual-arts-review-collecting-stories-yarns-worth-viewing/ ).     

С современным искусством знакомит и выставка «Мурал. Джексон Поллок и Катарина Гроссе». Идея экспозиции: показать эксперименты художников ХХ века, применявших новые технические средства для создания невиданных по масштабам произведений и нового эстетического кода. Если «Мурал» знаменитого американского художника (1912-1956) давно стал классикой абстрактного экспрессионизма, то немецкая художница Катарина Гроссе, родившаяся в 1961 году, представляет другую эпоху, когда живопись начала уходить с холста. Да и по размерам огромное полотно Поллока теряется среди гигантских инсталляций Гроссе. Как пишет о ней искусствовед Снежана Кръстева: «В конце 1990-х годов Гроссе получила широкую известность благодаря своим живописным интервенциям, охватывающим большие неоднородные поверхности офисных зданий, вокзалов, внешние фасады и интерьеры галерей, музейные залы, дома коллекционеров и даже ее собственную спальню. Освобождая живопись от ограничений, диктуемых размерами холста, традиционной техникой нанесения краски с помощью кисти, а также возможностями человеческого тела, художница использует распылитель, позволяющий окрашивать труднодоступные участки...  Размах проектов Гроссе настолько велик, что часто зритель может охватить целое, лишь постепенно перемещаясь в пространстве и воспринимая фрагменты инсталляции как цепь взаимосвязанных элементов. Близкие порой к эстетическому вандализму, работы художницы порождают множество аллюзий, подрывая традиционные жанровые определения».





Что греха таить, особо много зрителей на выставке Клода Моне. Светоносное, радостное искусство импрессионистов воспринимается легко, непосредственно. Но так было не всегда. Размытые контуры, широкие мазки вместо строгой линии, старательно выписанных деталей – во второй половине XIX века очень многие отвергали такую «мазню». И тут нельзя не отдать должное американцам с их открытостью всему новому: в момент, когда соотечественники еще не были готовы принять работы Моне, Ренуара, Дега и даже осмеивали их, в США у них появилось немало последователей. Картины отвергнутых Салоном художников покупали музеи и отдельные коллекционеры.

 

                                  «Рыбацкий домик в Варенжвиле»

 


                                                        «Японка»

В Бостоне существовал кружок художников-импрессионистов. Многие из них ездили в Париж изучать новый стиль.  Не стоит удивляться тому, что в бостонском Музее изящных искусств была собрана великолепная коллекция импрессионистов. О том, с каким размахом делались такие покупки, вспоминал знаменитый парижский маршан Амбруаз Воллар. (Он имел дело с Альбертом Барнсом из Филадельфии – о созданной им знаменитой галерее мне уже доводилось рассказывать): «К вам приходит господин Барнс. Он просит расставить перед собой двадцать, тридцать холстов. И, проходя мимо них, без колебаний указывает на приглянувшиеся ему вещи. Так господин Барнс собрал для созданного им фонда, носящего его имя, около сотни «сезаннов» и более двухсот «ренуаров».

После посещения выставок в
MFA я прошел по залам, где размещена постоянная экспозиция классики. Даже среди немалого количества шедевров выделяется картина Иеронима Босха «Esse Homo». На ней изображен важнейший евангельский эпизод. Христос стоит перед народом в терновом венце, весь исхлестанный. «Се человек», – говорит прокуратор Пилат. Но толпа злобно рычит: «Распни его!»... Босх не находит нужным вносить в эту картину зашифрованные аллегории, как в его позднем творчестве. Из знаковой системы нидерландского искусства здесь присутствуют разве что символы зла: сова в нише над головой Пилата и огромная жаба на щите одного из воинов.   

 

В зале фламандцев меня тронула работа Якоба Йорданса «Портрет молодых супругов». Мы привыкли видеть на мифологических картинах этого художника обнаженные могучие торсы. А тут незамысловатая бытовая сцена, причем проникнутая тонким психологизмом. Хотя налицо бюргерский достаток и благополучие, простодушное, слегка растерянное лицо молодого супруга говорит о том, что его «счастье» весьма относительно. Без сомнения, подлинная глава семейства – молодая женщина с властным взглядом и капризно поджатыми губками...

 

Самый яркий художник среди «малых голландцев» – Ян Стен. На картине «Пир двенадцатой ночи» запечатлен день 6 января, когда, согласно евангельскому рассказу, к новорожденному Христу пришли поклониться три волхва, которых привела путеводная звезда. В жанровых сценах Яна Стена, любившего изображать трактиры и гулянки, много юмора, но мало набожности! Ирония содержится уже в названии картины. Персонажи Яна Стена не читают главу из Святого писания, а веселятся, опустошают  большие кувшины вина, их дети играют на полу, тоже не задумываясь о торжественности момента...

 

Маленькая Голландия значительную часть своей территории отвоевала у моря. В искусстве этой страны важное место всегда занимала природа. Крупнейший мастер пейзажа в голландской живописи XVII века – Якоб Рейсдаль. Его сумрачные картины полны внутреннего напряжения: даже притихшие стихии готовы в любой момент обрушиться на человека.

 

                                    «Вид на Алкмар».   

В Бостонском музее изящных искусств находится великолепная коллекция американских живописцев. На этот раз я уже был знаком с творчеством самых известных художников, зато открыл для себя гениального примитивиста Эрастуса Филда (1805-1900). Свою долгую жизнь он прожил в основном в штате Массачусетс, поэтому здесь сохранились несколько сотен его работ. Филдс в юности начал брать уроки живописи, но через несколько месяцев студия его учителя закрылась. Именно этому обстоятельству мы должны быть благодарны за то, что природный талант художника и его наивное видение мира не были изуродованы педантическими наставлениями «мэтров». Эрастус Филд не сомневался в своем профессионализме, он много ездил по штату и совсем неплохо зарабатывал на жизнь семейными портретами. После появления фотографии круг заказчиков сократился. Филд работал на ферме, унаследованной от отца и рисовал пейзажи, исторические картины.

 


                                  «Семейство Джозефа Мура»


                                          
«Райский сад»

Впервые я посетил в Бостоне Институт современного искусства (Institute of Contemporary Art ICA). Он находится в весьма поэтичном месте - рядом с бостонской гаванью. Это здание современной архитектуры институт получил в 2006 году – оно у него 13-е по счету! В 1936 году в Бостоне учредили музей для приобщения публики к творчеству художников ХХ века. Он пользовался помещениями галерей Гарварда. В 1940 году музей устроил выставку Пикассо, на которой американцы впервые увидели «Гернику». Но постепенно в деятельности этого учреждения, переезжавшего с места на место,  все более важное значение приобретала исследовательская работа. Поэтому его переименовали в институт. Тем не менее здесь постоянно проводятся выставки как местных художников, так и крупнейших мировых величин – причем выбираются те фигуры, которые демонстрируют самые последние веяния в изобразительном искусстве. Руководство ICA надеется, что после обретения постоянного и просторного пристанища здесь можно будет комплектовать большую собственную коллекцию.



Одна из экспозиций, на которые я попал, посвящена творчеству лауреатов премии Джеймса и Одри Фостер 2019 года. Эта награда была учреждена бостонским институтом в 1999 году для поощрения местных художников (в том числе с эмигрантскими корнями) - наиболее интересных представителей современного искусства, отражающих в своем творчестве актуальные социальные проблемы.

Интересно, что три из четырех лауреатов премии Фостер – женщины! Я вспомнил название выставки в MFA: «Женщины берут слово». Конечно, в США особо заострена проблема политкорректности. Но и среди мировых лидеров искусства XXXXI веков немало женщин (одной из них посвящена самая выдающаяся из нынешних выставок ICA!). Видимо, женщины не только научились противостоять мужскому шовинизму в изобразительном искусстве, но и нередко отражают в своем творчестве те грани бытия, к которым равнодушен «сильный пол».  

Одна из обладательниц премии Фостер - Джозефина Хелварсен (1981 г. рожд.),  художник и скульптор, профессор Бостонского университета. Ее картины на первый взгляд могут показаться абстрактными, но на самом деле она тщательно перерисовывает всё, что видит перед собой на земле: травинки, листья, веточки, камешки, просто мусор... Название этой серии – «Панорама земли». Имеется в виду не земля, а Земля, которую надо оберегать от слишком бесцеремонного наступления цивилизации.



Хельга Рохт-Познански родилась в 1927 году в Тарту в интеллигентной семье. В 1944 году советские органы безопасности отправили ее отца в Сибирь, а она и ее мать спаслись, бежав за границу. Они поселились в Вене, которую вскоре оккупировала Советская Армия. Беженкам пришлось перебраться за океан. Хельга получила художественное образование в США и Канаде. Она предпочитает акварель и создает геометрические картины и коллажи. Рохт-Познански не любит социально-политических аллюзий - возможно, из-за того, что исторические катаклизмы лишили ее горячо любимого отца и родной Эстонии. Абстрактные композиции художницы выглядят крепко «сколоченными» - это символическое выражение мечты о прочном и надежном мире, которого она не обрела в своей жизни. Впрочем, Рохт-Познански, как настоящая эстонка, не любит исповедальности и уклончиво говорит, что игры с красками, линиями, ритмами – это для нее самоцель, а истолковывать свои картины она предоставляет зрителям.



Рашин Фахандей (1978) родилась в Иране. Ее семье, исповедующей бахайскую религию, пришлось покинуть страну из-за преследований. В Америке Рашин нашла себя в видео-арте, она избрала область искусства, пересекающуюся с социальной работой и психологией. В сотрудничестве с полицией Фахандей занимается реабилитацией заключенных. Рашин предлагает им спеть колыбельные песни, которые они слышали в младенчестве. Одновременно на экране появляются абстрактные композиции, трансформирующиеся во время пения: это как бы погружение в глубины подсознания, где воспоминания о матери должны вызвать у заключенного терапевтический эффект. 




Если лауреаты премии Фостер пока обладают известностью только на своем континенте, то экспозиция «Любовь зовет» японки Яёи Кусама получила мощный международный резонанс – как все выставки этой знаменитой художницы. Ее считают одной из главных  фигур современного искусства наравне с Луиз Буржуа и Анной Мендьета, которые тоже достигли мирового признания, переселившись в США.

Возвращаясь к размышлениям об американцах, высказанным в начале этой статьи, отмечу, что творения Яёи Кусама не имеют ничего общего с картинами Леонардо или Ренуара, но для посещения ее вставки в Бостоне надо записываться за несколько недель, после чего зрителям выделяются достаточно короткие временные интервалы.

Яёи Кусама родилась в 1929 году. В детстве ее глубоко травмировало то, что отец изменял матери, а мать била детей и к ней относилась особо неприязненно. Она страдала галлюцинациями и навязчивыми страхами, вызванными мыслями о суициде. Художественное образование Яёи Кусама продолжалось всего один год в школе искусств в Киото. Мать была против этого занятия – она дал дочери небольшую сумму и фактически выгнала из дому. В 1957 году Кусама прибыла в Нью-Йорк. Она быстро освоила американские механизмы саморекламы и сознательно выстраивала свой публичный образ как представительницы другой расы, психически больной, отверженной. Кусама вошла в круги ведущих американских художников и приобрела репутацию лидера авангарда.

В первые год в Америке Кусама создавала огромные полотна, заполненные маленькими точками, «горошком». Эти видения из своих галлюцинаций она называла «сети бесконечности». Критики считали ее работы вершиной «минимализма», но эти картины могли бы стать иллюстрациями к... теории  «монад» великого философа Лейбница, именно так представлявшего себе мироздание.

 


Постепенно Кусама уходит от традиционных техник, она устраивает хеппенинги, публичные перфомансы, создает коллажи, занимается дизайном и кино, кроме того пробует себя в литературе. В 1960-е годы в ее творчестве появляется новая доминанта: она изготавливает из мягких материалов изображения фаллосов, которые заполняют в ее композициях поверхность мебели, обуви, стен, лестниц! Это тотальное наступление фаллосов отражало потрясенное восприятие мира, порожденное детскими травмами. Для художницы это мир мужского шовинизма, примитивизированный Фрейдом и Юнгом. Яёи Кусама, не знавшая родительской ласки, долго преодолевавшая одиночество, вырабатывает свою мораль: если этим миром правит секс без любви, то ее идеал – любовь без секса. У нее были романы – но всегда платонические...

А в творчестве Кусама соединение «фаллической темы» с «сетями бесконечности» породили ее «фирменные» инсталляции: «Infinity Mirror Room — Phalli’s Field» - комнаты с зеркалами, в которых отражаются покрытые «горошком» фаллосы! Зеркала усиливают эффект «бесконечности» - невозможности вырваться из бесконечно тоскливого и бесконечно равнодушного к человеку мира.

На выставке в Бостоне демонстрируется самая большая из инсталляций Яёи Кусама «
Love is calling». Зрители попадают в пространство взаимоотражающихся зеркал, ужасаются количеству пятнистых фаллосов и слушают, как художница читает свою поэму «Замок пролитых слез». Это впечатляет, а осмысление начинается потом.

 

Название инсталляции переводят: «Любовь зовет». Сalling  означает также «любовь», «профессия». Совсем другой смысл. Но, возможно, эта многозначность входит в замысел. Произведения современного искусства - кино, театр, картины, скульптуры, инсталляции – требуют зрителя, способного стать соавтором замысла, создать свою интерпретацию увиденного. Кому-то нравится такая интеллектуальная работа, кого-то она раздражает. Кто-то ждет неделями своей очереди на посещение выставки Яёи Кусама, кто-то приобретает ее работы за миллионы долларов! А кто-то считает, что художественное творчество «обязано» быть понятным и не требовать работы извилин, тем более - предварительной подготовки. Такой «интеллигент», удовлетворяя свои культурные потребности без ожидания в очереди, вправе любоваться картинами «Утро в сосновом лесу», «Опять двойка». Он всегда может подтвердить свое духовное превосходство над «умничающими» ссылкой на тот факт, что Яёи Кусама на склоне лет живет в психиатрической клинике. Правда, тут уже совсем недалеко до теории «дегенеративного искусства», но с какой стати надо подлаживаться под американцев, которым деньги некуда девать!   
        

Комментариев нет :

Отправить комментарий